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John Towner Williams (Flushing, Nueva York, 8 de febrero de 1932) es un compositor y director de cine norteamericano. En una carrera que se extiende durante seis décadas, Williams ha compuesto varias de las más famosas músicas de cine de la historia como Tiburón, La Guerra de las Galaxias, E. T.: El extraterrestre, Superman, Indiana Jones, Jurassic Park, La lista de Schindler, Memorias de una geisha, Harry Potter... entre muchas otras. También ha realizado otros trabajos como la música de olimpiadas, numerosas series de televisión y varias piezas de concierto. Williams ha sido 5 veces ganador del Oscar a la academia, y tiene en su poder 50 nominaciones (teniendo así el récord de ser la persona viva con más nominaciones a dicho premio). Es uno de los compositores más extensamente reconocidos de la música de cine; Ha realizado la banda sonora de más de 100 películas, sin contar la música para televisión.

Biografía

“John Williams crea una música poco habitual en estos tiempos. Piezas musicales capaces de trascender la pantalla de cine. […] ¿Es posible ser compositor sinfónico y tener en vida ininterrumpidamente éxito, popularidad y prestigio durante más de 40 años? John Williams sí lo ha conseguido. Su vida profesional apenas ha sufrido altibajos y ha sido un continuo ascenso. Logro tras logro, éxito tras éxito y reconocimiento tras otro. Curiosamente todos los compositores que le han influido en algún momento de su carrera padecieron duras críticas, el público les volvió la espalda, sufrieron injusticias e incluso la falta de reconocimiento en vida. Él puede disfrutar de ser la excepción. En la actualidad sigue trabajando y componiendo con actitud humilde y superándose si cabe cada día más.” 

Andrés Valverde: John Williams. Vida y obra, Córdoba: Ed. Berenice, 2013, Pág. 9.

Primeros años

John Towner Williams nace el 8 de febrero de 1932 en Nueva York, más concretamente en Flushing, un barrio del distrito de Queens. Se crió en una familia de músicos: su padre, Johnny Williams fue un reputado batería de jazz, por lo que John y sus hermanos (Jerry, Don y Joan) estuvieron rodeados de música desde su niñez, viendo a su padre ganarse la vida con la batería. De hecho, Don Williams estudiará percusión y, como percusionista profesional, trabajará en gran parte de las bandas sonoras escritas por su hermano John.

A la edad de 5 años, el pequeño John Williams ingresa en la Juilliard School. Allí estudió solfeo y piano, aunque también experimentó con otros instrumentos como el trombón, la trompeta, el clarinete, el fagot o la percusión, antes de decidir que quería ser pianista profesional. Hasta el día de hoy, el piano ha sido su inseparable compañero y su herramienta de trabajo. 

Su aprendizaje se fue complementando con la composición y la dirección de orquesta. Por motivos laborales de John padre, la familia se mudó a Los Ángeles, al aceptar un trabajo como músico de estudio en la 20th Fox Orchestra. En Los Ángeles, John hijo continúa estudiando música y, tras pasar su adolescencia en la North Hollywood High School, estudia composición y piano en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA), además de asistir a clases de orquestación en Los Ángeles City College. 

En 1951 inicia su servicio militar tocando el piano en la banda de la Fuerza Aérea (USAF). También dirige y realiza arreglos para esta formación, lo que le permite conocer en profundidad la música militar americana, lo que influirá en el estilo bélico y marcial de algunas de sus composiciones. 

En el 54 finaliza el servicio militar y vuelve a Nueva York para matricularse de nuevo en la Juilliard School para perfeccionar sus conocimientos sobre el piano. Para pagarse los estudios, tocará el piano en clubes nocturnos, consiguiendo una gran soltura en el mundo del jazz. 

Tras esta etapa en Nueva York, vuelve a California y consigue trabajo como pianista de estudio, en un momento en el que la composición estaba lejos de ser una prioridad para él. Trabajó como pianista de estudio grabando la música de películas muy populares de segunda mitad de los 50 y principios de los 60, como Peter Gunn (1958) de Henry Mancini, o Los siete magníficos (The Magnificent Seven, 1960)  y Matar a un ruiseñor (To Kill a Mockinbird, 1962) de Elmer Bernstein, en las que el piano fue grabado por sus manos.  

Algunos compañeros suyos pudieron ver sus capacidades como compositor. Pudo aprender de grandes maestros de la música de cine como Bernard Herrman, Alfred Newman o Jerry Goldsmith, iniciándose como arreglista y orquestador, y por tanto tomando contacto directo con las partituras originales y los recursos musicales de los grandes de la época. 

En el ámbito personal, contrae matrimonio en 1956 con la actriz Barbara Ruick en 1956, con la que tuvo a sus tres hijos entre 1956 y 1960: Jennifer, Mark y Joseph. Precisamente su progresiva transformación de pianista en compositor estuvo relacionada con la necesidad de conseguir más ingresos por el nacimiento de sus hijos, que le motivaron a buscar nuevas oportunidades de trabajo que acabarían desembocando en sus primeros trabajos como compositor para la televisión. Algunas series y programas como General Electric Theater, Playhouse 90, Tales of Well Fargo, Bachelor Father, Wagon Train, etc. llevaron su música. 

 === Los 60: inicios en el cine === En 1958 debuta en el cine con Daddy-O, una película de serie B. En la década de los 60 realiza algunas comedias como Bachelor Flat (1962), Un yanqui en el harén (John Goldfard, please come home, 1965) o Cómo robar un millón (How to steal a million, 1966), y se inicia en el mundo del western con títulos como Una dama entre vaqueros (The rare breed, 1966) o The Plainsman (1966). Con la música de Los rateros (The reivers, 1969) consigue su primera nominación al Oscar por mejor música original.

También en 1969 escribe, fuera del ámbito de la gran pantalla, el Concierto para flauta, donde utiliza un lenguaje bastante experimental y por tanto difícil de asimilar para el gran público. En 1966 había escrito su Sinfonía nº 1, a día de hoy inédita, al no existir aún publicación de la partitura o grabación, pues ni siquiera ha llegado a ser estrenada. 

 === Los 70: hacia el estrellato === Los 70 supondrán el ascenso definitivo de Williams hacia la fama. En 1970 escribe la música de Storia di una Donna, una producción italiana. Al año siguiente escribe A Nostalgic Jazz Odissey y conseguirá su primer Oscar en con la adaptación musical de El violinista sobre el tejado (Fiddler on the Roof, 1971).

En esta primera mitad de los 70 comienza a forjar ese estilo de escritura tan personal que pronto se hará mundialmente conocido. Este estilo comenzará a hacerse ver en la música que escribió para el género de catástrofe, muy popular en esta década. Aunque se mantiene activo en el género del western, con, por ejemplo, la música de John Wayne y los cowboys (The Cowboys, 1972), es en este mismo año cuando escribe la música de La aventura del Poseidón (Poseidon Adventure) la primera de sus películas “catastróficas”. También es el año de Images, seguida por dos trabajos de un carácter más jazzero como Un largo adiós (The Long Goodbye, 1973) y Permiso para amar hasta medianoche (Cinderella Liberty). Del 73 también es Vida de un estudiante (The Paper Chase) y el western El hombre que amó a Cat Dancing (The Man who loved Cat Dancing), con cierto aire folk. Cierra el año la adaptación musical para la película Tom Sawyer, que le hace ser nominado nuevamente al Oscar por mejor partitura adaptada. 

En 1974 continúa con el cine de catástrofe con dos títulos: Terremoto (Eathquake) y El coloso en llamas (The Towering Inferno), y realiza el primero de muchos trabajos para Steven Spielberg, dando inicio a una larga y fructífera relación profesional con este aclamado director. La película con la que se estrena el binomio Spielberg-Williams es Loca Evasión (The Sugarland Express).  

No todo serían éxitos y alegrías para Williams, ya que el 3 de marzo de 1974 su esposa, Barbara Ruick, fallece por un derrame cerebral con tan sólo 43 años. 

Tras este duro golpe, Williams consigue su primer gran éxito con la película Tiburón (Jaws¸1975), que marca un antes y un después en su trayectoria profesional. Es su segunda colaboración con Spielberg y es una de las bandas sonoras más conocidas, no sólo del maestro neoyorquino, sino de toda la historia del cine. Williams escribió algo más de 50 minutos de música que se grabaron en marzo de 1975. La música de este film, con su inolvidable tema principal (encabezado por dos notas a distancia de semitono que representan al tiburón acercándose) le hizo ganar su primer Oscar a la mejor música original, un Globo de Oro, un Grammy y un premio de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y la Televisión (BAFTA, British Academy of Film and Television Arts). En este mismo año escribe el musical Thomas and the King, estrenado en Londres con una recepción totalmente opuesta a la de Tiburón.   

Al año siguiente tiene el privilegio de ponerle música a la última película (póstuma) de Alfred Hitchcock, La trama (The Family Plot, 1976), seguida por Missouri (The Missouri Breaks), un western donde deja de lado el sonido sinfónico y opta por una instrumentación basada en guitarras, bajo eléctrico, armónica y batería. Por el contrario, La batalla de Midway (Midway) anuncia el futuro sonido del Williams más bélico y marcial.  

En este mismo año, termina la orquestación de su Concierto para violín, una partitura que, a pesar de su difícil escucha, está cargada de sentimiento ya que el compositor lo escribió en memoria de su difunta esposa, quien le había sugerido escribir un concierto para violín. El segundo movimiento Moderato, Slowly (“In Peaceful Contemplation”) está dedicado a Barbara Ruick. Al igual que con el Concierto para flauta, llama la atención la gran diferencia estilística entre la música de Williams para la gran pantalla y la música de concierto. El Concierto para violín representa el final de esta ruptura, pues a partir de la siguiente década creará un estilo más homogéneo entre la música de cine y la música de concierto.  

En 1977, compone música para Domingo negro (Black Sunday) y Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind), una nueva colaboración con Spielberg en la que hace uso de un lenguaje más abstracto y atonal. A pesar de su gran calidad, Encuentros en la tercera fase se vio eclipsada por la obra que consagraría a Williams como estrella de la música cinematográfica: La guerra de las galaxias (Star Wars¸1977). Con Star Wars consiguió su segundo Oscar, y la edición discográfica llegó a vender 4 millones de copias, algo impensable para un disco completamente orquestal. El éxito desmesurado de Star Wars no consiguió encasillarlo y obligarle a repetir la misma fórmula; logra superarse y mantener el nivel y calidad de su creatividad en Superman (1978), donde volvió a escribir temas hoy por todos conocidos. 

1978 lo completa con la música para la película La furia (The Fury), donde homenajea a su amigo Bernard Herrman, y la secuela Tiburón 2 (Jaws 2), última película de la saga del escualo donde participó. En 1979 recibe dos encargos muy interesantes: Drácula, de John Badham, donde Williams recupera el trasfondo romántico de la novela gótica de Bram Stoker, con armonías, orquestaciones y, en definitiva, un lenguaje bastante cercano al de los compositores románticos del siglo XIX. El segundo encargo fue 1941, un nuevo encargo de Spielberg que, a pesar del fabuloso elenco que trabajó en la película (como el dúo The Blues Brothers, Cristopher Lee o el propio Williams) resultó el mayor fracaso en taquilla en toda la carrera de Spielberg.  

 === Los 80: debut como director y nuevos éxitos en el cine ===

1980 es uno de los años más agitados en la vida y carrera de Williams, y esta dinámica se mantendría durante toda la década de los 80. El 10 de enero de 1980 John Williams es nombrado director de la Boston Pops Orchestra, tras el fallecimiento del anterior titular, Arthur Fiedler, a quien el maestro dedicaría al año siguiente el estreno de su marcha Pops on the March. Recibe la noticia de su nombramiento como director en Londres, pues se encontraba grabando con la London Symphony Orchestra la música para la segunda entrega de La guerra de las galaxias: El imperio contraataca (The Empire strikes back, 1980). Además, contrajo matrimonio por segunda con Samantha Winslow, su actual esposa, y se mudó a Boston, con motivo de su nuevo puesto como director de la Boston Pops. 

En la primera mitad de los 80, Williams da a luz a algunas de sus más populares creaciones: además de El imperio contraataca, compone la popular música de Indiana Jones y el arca perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981); E.T.  (E. T.: The Extraterrestrial, 1982); la tercera película de Star Wars, El retorno del Jedi (Return of the Jedi, 1983) e Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom).  

En 1983 la hija de Williams y Barbara Ruick, Jennifer, da a luz a Barbara, la primera nieta del compositor. En este mismo año estrena con la Boston Pops Esplanade Overture, primera de sus obras de concierto donde recicla materiales temáticos de su música de cine. Con 51 años el maestro se estrena como abuelo y también como compositor de fanfarrias con Olympic Fanfare and Theme, encargada para la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles (1984). 

También en 1984 compone la música para Cuando el río crece (The River), un drama protagonizado por Mel Gibson, y de nuevo recibe un duro golpe personal por el fallecimiento de su padre a los 79 años. Al año siguiente, con motivo del aniversario de la Boston Pops, estrena el Concierto para tuba (basado en el tema que escribió para Jabba el Hutt), una composición bastante alejada de los anteriores conciertos (Concierto para flauta y Concierto para violín), de audición mucho más agradable para el oyente medianamente habituado a la música del siglo XX. 

También de 1985 data su regreso a la televisión de la mano de su amigo Steven Spielberg. Williams compuso el opening, los créditos finales y la música completa de dos capítulos de Cuentos asombrosos (Amazing Stories, 1985). Acto seguido, graba la música para las noticias de la NBC. En 1986 compone la música para S.O.S., Equipo Azul (Space Camp), además de las fanfarrias Liberty Fanfare y Celebration Fanfare, seguidas en 1987 por otra fanfarria, A Hymn to New England. En el cine crea la música de Las brujas de Eastwick (The Witches of Eastwick, 1987) y de nuevo para Spielberg, la música de El Imperio del Sol (The Empire of the Sun), que le hizo ganar otro premio BAFTA. 

En El turista accidental (The Accidental Tourist, 1988) vuelve a demostrar su gran versatilidad al dejar de lado el neosinfonismo y escribir para formaciones más reducidas. En el mismo vuelve a componer una pieza “olímpica”, la fanfarria Olympic Spirit para los Juegos Olímpicos de Seúl. Finaliza la década con el también final de la trilogía clásica de Indiana Jones: Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and the Last Crusade, 1989), considerado por muchos el mejor trabajo de Indiana Jones, lejos de ser una amalgama de temas musicales de las anteriores películas. También de Spielberg, es Para Siempre (Always), un fracaso de taquilla pero que cuenta con una música deliciosa compuesta por Williams. Nacido el 4 de Julio (Born of the Fourth of July) será la primera colaboración con el director Oliver Stone. 

 === Años 90 === Los 90 comienzan con dos partituras más intimistas por la instrumentación más modesta y la construcción temática: Cartas a Iris (Stanley & Iris, 1990) y Presunto inocente (Presummed Innocent, 1990). Pero probablemente el aspecto más destacable de esta década es su incursión en el cine de carácter más familiar y/o comercial. Un buen ejemplo de ello es Solo en casa (Home Alone, 1990), película que obtiene un gran éxito y donde el maestro puede componer por primera vez música navideña, obteniendo dos nominaciones al Oscar. También le queda tiempo en esta década para seguir con su obra de concierto, con fanfarrias como Celebrate Discovery, que conmemora el 500 aniversario del descubrimiento de América y conciertos para distintos instrumentos solistas. 

Siguiendo con el cine “blockbuster”, recupera el estilo aventurero de Korngold en Hook (1991) y vuelve a colaborar con Oliver Stone en J. F. K.: Caso abierto (J. F. K., 1991). También en el 91 compone su Concierto para clarinete. En 1992 deja la dirección de la Boston Pops Orchestra y sufre la pérdida de su amigo Herbert W. Spencer, uno de los principales orquestadores que colaboraron en los trabajos de Williams. En este mismo año compone la música para la segunda entrega de la taquillera Solo en casa; Solo en casa 2: Perdido en Nueva York (Home Alone: Lost in New York) y compone la majestuosa banda sonora de Un horizonte muy lejano (Far and Away), retomando el contacto con su época de compositor de música para westerns. En esta película de Ron Howard, Williams fusiona el sonido orquestal con instrumentos tradicionales del folklore irlandés, a lo que hay que sumar la colaboración del grupo irlandés The Chieftains y de la artista, también irlandesa, Enya. Así mismo, continúa componiendo fanfarrias, como Aloft… To the Royal Masthead (Fanfare for Prince Philip)

En 1993 compone dos de sus bandas sonoras más conocidas y distintas entre sí: Parque jurásico (Jurassic Park) y La lista de Schindler (Schindler’s List), ambas de la mano de Spielberg. Realiza también la fanfarria Sound the Bells! y su majestuoso concierto para fagot Bassoon Concerto: The Five Sacred Trees, un concierto dividio en 5 movimientos, cada uno de los cuales representan uno de los árboles sagrados de la mitología celta, con pasajes de una gran belleza y accesible al gran público. En 1994 estrena su Concierto para violonchelo, dedicado al violonchelista YoYo Ma, y la pieza para orquesta Song for World Peace. En el 95 realiza la música de Sabrina y de su tercera colaboración con Oliver Stone, Nixon. Mención aparte merecen sus Happy Birthday Variations, una composición basada en variaciones del Cumpleaños feliz, que Williams compuso para celebrar los cumpleaños de Yo-Yo Ma, Itzhak Perlman y Seiji Osawa.  

El 96 sería un más agitado, ya que realizaría bastantes trabajos y muy distintos entre sí, como Summon the Heroes, de nuevo una pieza para los Juegos Olímpicos (JJOO de Atlanta, 96). También compone el Concierto para trompeta, que sería grabado por el célebre trompetista de latin jazz Arturo Sandoval. En cuanto a su trabajo para la gran pantalla, compone la música de Sleepers y trabaja en la banda sonora de Siete años en el Tíbet (Seven Years in Tibet, 1997) y la segunda parte de Jurassic Park, El mundo perdido (Jurassic Park: The Lost World, 1997), su última aportación a la saga, ya que no participaría en Parque Jurásico III, siendo sustituido por Don Davis. Estos dos últimos trabajos se estrenarían ya en el 97, junto a la música de Amistad, de cuya banda sonora procede la famosa canción Dry your Tears, Afrika. La música de Rosewood, también del 97, recuerda a la música de Williams 25 años atrás, cuando estaba inmerso en el género del western. Fuera del cine, compone su Elegía para violonchelo y piano, basada en un tema de Siete años en el Tíbet

En el 98 vuelve al cine bélico con Salvar al soldado Ryan (Saving the Private Ryan, 1998), una de sus obras más célebres donde encontramos el corte Hymn to the Fallen. En pleno tratamiento de la leucemia que sufre el compositor, compone la música de Quédate a mi lado (Stepmom, 1998), sin embargo, la pista más recordada de esta película, que es la canción Ain’t no Mountain High Enough, no fue una composición de Williams, sino que es autoría del dúo de compositores Ashford & Simpson, de la casa discográfica Motown. Por último, para terminar con la década de los 90, compone la música de La amenaza fantasma, el primer episodio de la trilogía precuela de Star Wars (Star Wars Episode I: The Phantom Menace) y Las cenizas de Ángela (Angela’s Ashes, 1999), que le hicieron ganador de otro Grammy. Compone también la música para el documental de Spielberg American Journey, que luego conformó una suite para orquesta dividida en 6 movimientos. 

 === Década de los 2000 === Williams comienza el nuevo milenio con la música para el filme El patriota (The Patriot, 2000), protagonizado por Mel Gibson. Recibió una nominación al Oscar por este trabajo. Adentrándose nuevamente en el repertorio puramente de concierto, crea Treesong (2000), una composición para violín solista y orquesta, inspirado por una secuoya que solía visitar en sus paseos por un parque público de Boston. Posteriormente, compone uno de sus trabajos más populares hasta la fecha: Harry Potter y la piedra filosofal (Harry Potter and the Sorcerer’s Stone, 2001), su cuarta colaboración con Chris Columbus. El corte “Hedwig’s Theme” forma parte de su repertorio más conocido. En este mismo año se encarga de componer la música para una nueva colaboración con Spielberg: Inteligencia artificial (Artificial Intelligence, 2001), lo que le impidió aceptar el encargo de Parque Jurásico III, por lo que sería sustituido por Don Davis, quien fue recomendado por el propio Williams.  

En el 2002 se le acumula el trabajo pero aun así produce cuatro verdaderas joyas dentro de su repertorio: el Episodio II de La guerra de las galaxias: Star Wars Episode II: Attack of the Clones; Minority Report; la segunda entrega de Harry Potter (Harry Potter and the Chamber of Secrets) y Atrápame si puedes (Catch me if you can). En Atrápame si puedes Williams explota todo el potencial del músico de jazz que fue en otros tiempos. Es una banda sonora donde se adentra en el lenguaje del jazz progresivo con magistrales solos de saxofón interpretados por Dan Higgins. A partir de la música de la película, compuso Escapades, un concierto para saxofón alto solista, trío de jazz (contrabajo, vibráfono –en lugar de piano- y batería) y orquesta sinfónica. Aparte del saxofón, dedicó varios trabajos al violonchelo: Elegía para violonchelo y orquesta (2002), orquestación de su Elegía para violonchelo y piano (1997); y Heartwood: Lyric Sketches for Cello and Orchestra (2002), sin olvidar las Tres piezas para violonchelo solo que había compuesto dos años antes. No acaba aquí su actividad este año, pues, además de estrenar la fanfarria Call of the Champions, acude a la septuagésimo cuarta ceremonia de los Oscar como doble nominado (por Harry Potter y la cámara secreta e Inteligencia artificial) y como director musical, realizando un arreglo de las grandes bandas sonoras de la historia del cine por el cual obtiene una nominación al Grammy. 

Durante el 2003 se toma un descanso y no escribe ninguna partitura cinematográfica, con la excepción de una breve pieza titulada “Silent Film” Piano Duet, una pieza para piano a cuatro manos compuesta para un montaje de escenas de cine mudo proyectado en el festival Soundtracks: Music and Film celebrado en Washington. También compone Soundings (2003), para la inauguración del Walt Disney Concert Hall en Los Ángeles, edificio diseñado por Frank Gehry y que “inspira en Williams un interesante planteamiento basado en la idea de la sala como instrumento musical. De este modo aprovecha la acústica de la misma para crear efectos y sonoridades que impliquen al lugar, no sólo en calidad de recinto sino como integrante de la textura y orquestación.” Cierra el año con su Concierto para trompa y orquesta

En 2004 compone la música de Harry Potter y el prisionero de Azkaban (Harry Potter and the Prisoner of Azkaban). Será la última entrega de la saga en la que participa, siendo sustituido en El cáliz de fuego por Patrick Doyle. De nuevo, John Williams tiene que dejar una saga a medias debido a su apretada agenda. Trabaja una vez más con Spielberg en la película La Terminal (The Terminal, 2004). 

En el 2005 se le vuelve a acumular el trabajo y de nuevo vuelve a sorprender con tres maravillosas bandas sonoras muy distintas entre sí: la última entrega de La guerra de las galaxias, Star Wars: The Revenge of the Sith; Memorias de una Geisha (Memoirs of a Geisha) y La guerra de los mundos, un filme donde se combinan los géneros de catástrofe, ciencia ficción y alienígenas, todos ellos de sobra dominados por Williams. En La guerra de los mundos, utilizará sintetizadores junto al sonido de la orquesta. Por último, trabaja en la música de Munich. En este año Esther Towner, madre del compositor, fallece a la avanzada edad de 97 años. Entre 2006 y 2007 tiene un período de poca actividad, tomándose un merecido descanso tras los años anteriores. En 2006 le es encargado el NBC Sunday Night Football Theme para un especial de fútbol americano de la cadena NBC. Al año siguiente, escribe su Dúo concertante para violín y viola

En 2008, es requerido por sus viejos amigos Lucas y Spielberg para ponerle música a la nueva película de Indiana Jones: Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, 2008). También colabora en un documental de Spielberg titulado A Timeless Call. Posteriormente, compone Air and Simple Gifts (2009), una pieza para para violín, violonchelo, clarinete y piano, estrenada con motivo de la ceremonia de investidura del presidente Barack Obama. Del mismo año es su Concierto para viola y Stargazers, una obra para arpa y orquesta basada en la música de E.T. Además de esta pieza, compone un Concierto para arpa y orquesta (“On Willows and Birches”), ambas piezas en homenaje a la arpista de la Boston Symphony Ann Hobson Pilot, que se retiraba aquel año. 

 === Últimos años: 2010-actualidad === En la última década, Williams ha realizado menos trabajos en comparación con décadas anteriores (en los 90 escribió la música de 20 películas, a lo que habría que añadir la música no dedicada a la gran pantalla), pero todos ellos son de una grandísima calidad. En 2011 realiza dos nuevos trabajos para Spielberg, Las aventuras de Tintín: el secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn) y War Horse. Tintín es la primera incursión de Williams en el cine de animación; por otro lado, la música de War Horse es un homenaje a la escuela nacionalista inglesa de principios del siglo XX, pudiéndose apreciar la influencia de Ralph Vaughan Williams en este film. En este mismo año escribe su Concierto para oboe y orquesta, además del Quartet La Jolla (para violín, violonchelo, arpa y clarinete) y A Young Person’s Guide to the Cello, una pieza para violonchelo en cuyo título hace un guiño a Guía de orquesta para jóvenes, de Benjamin Britten. 

Con Lincoln (2012) continúa la línea de sus composiciones patrióticas como Salvar al soldado Ryan o El patriota, y consigue su cuadragésimo octava nominación al Oscar. La grabación repite el mismo sistema que empleó en La lista de Schindler, al grabar en una gran sala sinfónica en lugar de en un estudio. Nos deja nuevamente una fanfarria: Fanfare for Fenway, y una rareza en su repertorio, Rounds, su única pieza para guitarra sola, además de ser la primera pieza que dedica a un músico español, Pablo Sáinz Villegas. 

En 2013 realiza la música para La ladrona de libros (The Book Thief), en un estilo intimista que recuerda a La lista de Schlinder y Memorias de una Geisha. Al igual que con esta última, a Williams le gustó la novela homónima y, al enterarse de que se realizaría una adaptación cinematográfica, informó de su disponibilidad para realizar la banda sonora. En este mismo año realiza Fanfare, “For the President’s Own” y Conversations, una obra para piano en tres movimientos. 

Aparte de la película de Disney Mi amigo el gigante (The BFG, 2016), en los últimos años, Williams se ha encargado de la música de la nueva trilogía de Star Wars. En 2015 realiza la música del Episodio VII: el despertar de la Fuerza (Star Wars Episode VII: The Force Awakens, 2015) y en el presente año ha trabajado en la música de Star Wars Episode VIII: The Last Jedi, cuyo estreno está previsto para el 15 de diciembre de este año en Estados Unidos. A sus recién cumplidos 85 años, John Williams sigue en plena forma y continúa regalándonos sus magistrales partituras, que no pierden un ápice de calidad según pasa el tiempo, sino que es capaz de superarse a sí mismo una y otra vez. 

Estilo e influencias

El estilo de John Williams suele enmarcarse dentro del Neorromanticismo o Neosinfonismo. El sonido de Williams es la continuación natural de la música de los compositores tardorrománticos o postrománticos, como Wagner, Mahler, Holst, Strauss, etc. De hecho, utiliza los recursos musicales del Romanticismo y Postromanticismo en gran parte de su música, combinándolos con pasajes modales en un estilo más hollywoodiense. No obstante, Williams es un compositor del siglo XX y como tal, se aprovecha de los recursos que introducen las corrientes musicales de vanguardia de este siglo: es frecuente escuchar en sus bandas sonoras pasajes dodecafónicos o atonales, politonalidad, serialismo, etc. En algunas de sus bandas sonoras más recientes, como Memorias de una Geisha o Star Wars Episodio VII: el despertar de la Fuerza, hace mayor hincapié en la música modal (es decir, basada en modos, en vez de música tonal, basada en tonalidades). 

El jazz sería una de las principales influencias en la juventud de John Williams y los inicios de su carrera. Su primer contacto con el jazz sería en casa, de la mano de su padre (no olvidemos que Johnny Williams, padre del compositor, era un gran batería de jazz). Precisamente, el jazz le permitió pagarse los estudios de piano en la escuela Juilliard de Nueva York en 1954, “allí perfecciona, durante un año, los estudios de piano con la afamada profesora ruso-americana Rosina Lhevinne, trabajando mientras tanto de pianista en clubes nocturnos para pagar sus gastos, siendo una apasionante etapa juvenil en la que vive –musicalmente- una doble vida. Durante el día estudia a los clásicos y su técnica interpretativa y por las noches cambia de registro, consiguiendo una gran soltura en el mundo del jazz”. 

Este gran conocimiento del jazz se aprecia especialmente en la banda sonora de Atrápame si puedes, o en la pieza ‘Cantina Band’, que aparece en la primera película de La guerra de las galaxias. No obstante, Williams hace amplio uso de acordes de séptima y/o novena (clara herencia de su bagaje jazzístico) incluso en los pasajes más tonales, aunque suele “disimular” estas notas de tensión mediante la orquestación.  

Por otro lado, sus estudios con la citada Rosina Lhevinne le permiten conocer el estilo y, sobre todo, la escritura pianística de los compositores románticos que tanto le influirían. No olvidemos que Williams comenzó su carrera en Hollywood como pianista de estudio, y que este instrumento sigue siendo, a día de hoy, su herramienta de trabajo: al igual que la mayoría de los grandes compositores, Williams compone su música en el piano para que más tarde ésta sea orquestada y trasladada a los atriles de los profesores de la orquesta. 

Otra importante influencia sería la de los compositores con los que convivió. En primer lugar, su profesor de composición en la UCLA, Mario Castelnuevo-Tedesco, profesor también de Jerry Goldsmith. Al trabajar como pianista y orquestador para compositores ya consagrados, como Bernard Herrmann, Elmer Bernstein, Franz Waxman, Alfred Newman o Henry Mancini, pudo aprender el oficio de la composición de música para cine a través de las partituras de estos maestros. 

Por último, las influencias más notorias en el sonido de Williams están en los compositores de finales del XIX y principios del XX, como Wagner, Strauss, Stravinsky, Holst, Mahler… así como en el sonido épico de Erich Wolfgang Korngold y Max Steiner, compositores de origen europeo de la época dorada de Hollywood (años 30 y 40). 

De Wagner, y en parte a través de Korngold, Williams recupera el uso del leitmotiv, técnica compositiva cuyo origen se encuentra en la ópera; gran efectividad al asociar una música a un personaje (Sayuri, ‘Sayuri’s Theme’; Memorias de una Geisha), objeto (Arca o Santo Grial, ‘Tema del Arca’ y ‘Tema del Santo Grial’; Indiana Jones) o situación (duelos con sable láser, ‘Duel of the Fates’; Star Wars). El uso de varios leitmotiv otorga a la banda sonora una gran unidad y cohesión, ya que unos pocos temas o motivos permiten articular y aportar unidad estilística a la totalidad de la música que suena en el film. 

Williams siente un gran aprecio por la música de los compositores británicos, como Benjamin Britten, Ralph Vaughan Williams, Sir Edward Elgar o Gustav Holst. La influencia de estos dos últimos se aprecian en la música de Star Wars. Especialmente significativa es la presencia de Los Planetas de Holst: ‘Marte’, ‘Júpiter’ y ‘Urano’, de Los Planetas, presentan bastantes similitudes estilísticas con algunos pasajes de Star Wars. 

El estilo de Richard Strauss es emulado frecuentemente por compositores de música de cine, como por ejemplo Korngold o Alfred Newman. Estos compositores crearon temas de gran majestuosidad y fanfarrias que guardan una estrecha relación con la música de Strauss en cuanto a instrumentación, textura y construcción melódica. En Don Juan o Así habló Zaratustra se pueden reconocer fácilmente recursos musicales que también encontramos en la música de Williams. 

El estilo rompedor de Stravinsky y sobre todo La consagración de la Primavera tienen también una gran influencia en la música de Williams. Compases irregulares, acordes disonantes, cambios súbitos de tempo, textura, etc. La música de Tiburón bebe directamente de Stravinsky y Bernard Herrmann (de este último, y su música para Psicosis, Williams hereda la escritura rápida y violenta para cuerda).


Premios y nominaciones

John Williams ha sido reconocido a lo largo de su carrera con múltiples nominaciones y galardones hacia su trabajo. La primera nominación fue al Grammy en 1961 por la música de la serie de televisión Checkmate, y el primer galardón sería el Emmy que ganó en 1968 con la música de Heidi.  

Entre sus premios se cuentan 5 Oscar y 50 nominaciones (siendo actualmente la persona viva que más veces ha sido nominado al Oscar), 4 Globos de Oro y 22 nominaciones, 21 Grammy y 64 nominaciones y 3 Emmy con 6 nominaciones. A estos premios hay que añadir diversas condecoraciones como la Orden Olímpica (2003), la Medalla Nacional de las Artes de EEUU (2009) y homenajes a su carrera por parte del Kennedy Center (2004), la Academia Americana de las Artes y las Ciencias (2009) y el American Film Institute (2016). Además, ha sido nombrado Doctor Honoris Causa de diversas universidades y conservatorios en EEUU. 


Filmografía seleccionada

John Williams es el autor de la música de gran parte de las películas más exitosas de los últimos 40 años. “Ha musicalizado varias de las sagas más exitosas en la historia del cine, interviniendo desde 1977 en franquicias sumamente rentables. Un viaje que comienza y termina con Star Wars, siendo 17 películas desde 1977 hasta 2017. El recorrido comprende la saga de George Lucas, los cuatro de Indiana Jones, los dos primeros Parque Jurásico y finalmente su música para las aventuras del famoso mago […] Williams sabe como pocos desarrollar motivos musicales, texturas y orquestaciones. Aspecto fundamental para implicarse y conseguir éxito musical en las sagas.”

Andrés Valverde: John Williams. Vida y obra, Córdoba: Ed. Berenice, 2013, Pág. 225-226.

Tiburón (1975)

Con Tiburón, Williams gana su segundo Oscar (el primer Oscar por una banda sonora original). Inspirado por la música de Stravinsky15, crea uno de los temas de terror más famosos de la historia del cine, junto a la música de la escena de la ducha en Psicosis (película cuya música también inspiró a Williams). La presencia del escualo es expresada por la música mediante un grave y amenazador sonido de la cuerda, sugiriendo a un tiempo el movimiento del animal y el terrible peligro que representa. Este leitmotiv para el tiburón se pone de manifiesto desde los títulos iniciales del film, en los que vemos el fondo del mar a través de los ojos del animal por medio de la cámara subjetiva. A lo largo de la película, cada ataque se verá precedido por este tema, sugiriendo la presencia de la bestia aun antes de que esta haga su aparición. Con ello Williams consigue acrecentar la angustia del espectador, quien por medio de la música advierte el peligro antes que cualquier personaje de la trama. El éxito desmesurado del tema principal hizo que pasaran desapercibidos otros temas de gran calidad que recuerdan a las películas de piratas de los años 30 y 40. Un ejemplo es la escena en la que los tres protagonistas se hacen a la mar en una embarcación con ánimo de luchar contra el tiburón; la música alcanza en ese momento un tono optimista y heroico a través de una brillante fanfarria.  


Encuentros en la Tercera Fase (1977)

Una banda sonora de extraordinaria calidad que, sin embargo, se vio perjudicada por el abrumador éxito de Star Wars. De hecho, en este año Williams fue nominado dos veces al Oscar, por Star Wars y Encuentros en la tercera fase, siendo vencido por sí mismo al recibir el Oscar por Star Wars. 

Para Encuentros en la tercera fase, Williams dispuso aproximadamente de dos años para crear la banda sonora, a partir de las ideas que le transmitía Spielberg en sus frecuentes reuniones. Gozó de tal libertad para realizar este trabajo, que en ocasiones el montaje de la película se adaptó a la música compuesta por Williams, lo que convierte a esta banda sonora en una de las más personales del autor. 

La banda sonora se articula en torno a un motivo formado por cinco notas y que representa la comunicación entre extraterrestres y humanos. Escuchamos este motivo a lo largo de toda la película, como por ejemplo en la escena en la India, donde una multitud canta la melodía, o la escena donde el pequeño Barry hace sonar la melodía en su xilófono. Para el clímax de la película, Williams compone un extraordinario poema sinfónico que acompaña la aparición de las naves sobre el cielo de Wyoming; la belleza de la composición de Williams anuncia el carácter pacífico y benévolo de los extraterrestres, proporcionando a estos seres una música mística y celestial por medio de la orquesta y el coro. 


Star Wars 

Episodio IV: Una Nueva Esperanza (1977)


Episodio V: El Imperio Contraataca (1980)


Episodio VI: El Retorno del Jedi (1983)


Episodio I: La Amenaza Fantasma (1999)


Episodio II: El Ataque de los Clones (2002)


Episodio III: La Venganza de los Sith (2005)


Episodio VII: El Despertar de la Fuerza (2015)

  • Banda sonora de El Despertar De La Fuerza


Indiana Jones

En Busca del Arca Perdida (1981)

En esta película, el maestro consiguió crear una de las marchas más conocidas de toda la historia de la música de cine. Raider’s March fue asociada rápidamente con Indiana Jones y los espectadores la tarareaban al salir del cine. A día de hoy es una de las piezas más conocidas e interpretadas de Williams.  

Además del leitmotiv de Indy, Williams crea un tema para el Arca, de tono solemne y místico. Aparece por primera vez cuando los agentes del gobierno mencionan el objeto, y más tarde cuando el protagonista se plantea la posibilidad de hallarlo. Una variante más dramática y espectacular aparece en la secuencia de apertura del Arca. 

Un tercer leitmotiv sería Marion’s Theme, un tema con doble uso, por un lado aparece cuando Indiana Jones piensa en la chica, así como cuando la da por muerta en El Cairo y posteriormente cuando la encuentra en el campamento nazi. Por otro lado, aparece como un tema de amor al estilo de la época clásica de Hollywood en la escena del interior del buque.


Indiana Jones y el Templo Maldito (1984)

Al contrario que en Raiders of the Lost Ark, Williams no grabó la segunda entrega de Indiana Jones con la London Symphony, sino que la grabación se realizó en California con músicos de estudio. Williams introduce en esta segunda película la pista Parade of the Slave Children, partitura que mezcla el aire exótico con el carácter militar, destacando el ostinato de la cuerda grave y la gran presencia de la caja militar a lo largo de toda la pieza.


Indiana Jones y la Última Cruzada (1989)

Al igual que en Raiders of the Lost Ark crea un tema para el Arca, en la tercera parte de la trilogía creará un leitmotiv para el Santo Grial20. Tanto para Spielberg como para la crítica especializada, éste es el mejor score de toda la saga. Williams concede gran importancia en su música a la relación  entre padre e hijo. La gran novedad de la película es el Scherzo for Motorcycle and Orchestra, una composición escrita en un ritmo vivo de 6/8 con un carácter muy agitado donde hay presencia absoluta de la articulación staccato. 


E.T.: el Extraterrestre (1982)

En E.T., la película que otorgó a Williams su cuarto Oscar, parece que se compusieron dos bandas sonoras distintas, paralelas y complementarias entre sí: por un lado, una serie de piezas más intimistas y sentimentales que representan la relación de E.T. con Elliot donde el compositor trata de resaltar los sentimientos de amistad, bondad e inocencia. Por otro lado, la persecución a la que es sometido el extraterrestre por el Gobierno da lugar a temas de acción, de carácter más sinfónico, donde explota al máximo las posibilidades de la orquesta21. 

La película comienza con una música serena y tranquila, con gran presencia de las flautas, que denotan el carácter pacífico y amistoso de los extraterrestres. Este tema conduce a un momento más misterioso donde toman protagonismo los instrumentos graves. Cuando los humanos hacen su aparición y comienzan a perseguir a E.T. y a sus amigos, la música se torna violenta y dinámica, con destacadas intervenciones del metal y la percusión. La música narra perfectamente la relación del extraterrestre con Elliot y sus hermanos, desde el tono humorístico de la fiesta de Halloween hasta el tono lamentoso de la muerte de E.T. o la escena del vuelo en bicicleta, donde la música expresa la alegría y libertad que sienten los protagonistas. 


Parque Jurásico

Parque Jurásico (1993)

1993 fue un año fantástico para Spielberg. En este año estrenó Parque Jurásico, la película más taquillera de todos los tiempos hasta esa fecha (en la actualidad, este título lo ostenta Avatar, de James Cameron y música de James Horner; Parque Jurásico ha sido relegada al puesto número 15 de las películas más taquilleras de todos los tiempos, lo cual tampoco es nada despreciable). También estrenaría La lista de Schlinder, de la que hablaremos más tarde. Parque Jurásico haría ganar a su equipo tres Oscar (además de otros galardones), y a John Williams el Grammy a la mejor banda sonora. 

Parque Jurásico es uno de los trabajos más complejos de Williams. Además del añadido del coro, utiliza en la orquestación dos sintetizadores (indicando incluso el modelo exacto de sintetizador y el efecto de sonido que quiere en cada momento) y un shakuhachi, una flauta de origen japonés que aporta el toque étnico y tribal junto al destacado papel de la percusión. En cuanto al lenguaje compositivo, escribe pasajes tonales y modales que combina con atonalidad, politonalidad, dodecafonismo… haciendo también uso de la composición interválica. 

Algunas piezas destacadas son el ‘Theme form Jurassic Park’, tema principal de la película de extraordinaria belleza melódica, ‘Journey to the Island’ (majestuosa pieza que acompaña el viaje en helicóptero de los protagonistas, con presencia del coro en su sección final), ‘The Raptor Attack’, el solemne tema ‘My Friend, the Brachiosaurus’ o ‘T-Rex Rescue and Finale’, con un gran uso de la electrónica


El Mundo Perdido (1997)

Para la segunda entrega de esta franquicia, Williams escribe una música más oscura donde la percusión asume un papel fundamental, dando el carácter tribal y primitivo a la película. El tema principal de la película comienza con un solo de percusión, destacando la presencia de las congas y los timbales a lo largo de toda la pieza. La percusión también brilla especialmente en las escenas de acción en la selva, como ‘The Hunt’ o ‘Rescuing Sarah’. ‘The Stegosaurus’ por su parte, tiene un carácter majestuoso, que contrasta con el carácter agresivo del resto del score. 


La Lista de Schindler (1993)

Con La lista de Schindler, Spielberg afrontaba uno de sus proyectos más arriesgados y personales, con un film sobre el holocausto en blanco y negro de tres horas de duración. No obstante, la película consiguió la friolera de siete Oscar y tres Globos de Oro. Una de las estatuillas sería para el compositor por su nominación a la mejor banda sonora; aunque había sido nominado en varias ocasiones, desde 1982, con E.T., Williams no había ganado un Oscar. Con la banda sonora de este drama sobre el holocausto, conseguiría su quinta estatuilla, a pesar de haberse planteado por esta época retirarse de la composición de música para cine. 

Gracias a su trabajo en El violinista sobre el tejado (1971), Williams no necesitó familiarizarse con la música judía. Acordó con Spielberg ser moderado en esta banda sonora, ajustándose estéticamente a lo que sucede en el largometraje. Desde un primer momento, Williams pensó en introducir abundantes solos de violín, algunos de los cuales se grabaron antes de que empezaran las labores de rodaje, con lo que la música grabada permitiría a director y actores generar el ritmo y sentimiento adecuados. El violín fue grabado por Itzhak Perlman, asiduo colaborador de Williams. 

La música de Williams, de inconfundible color hebreo, no aparece hasta pasados los primeros veinte minutos del film, momento en que la música ilustra la selección de mano de obra para una fábrica. Posteriormente, encontramos momentos musicales de gran intensidad emocional, como la expulsión de los judíos del ghetto. Por momentos, la música se vuelve turbadora para ciertas escenas, como las relacionadas con los campos de concentración; y a la vez nos encontramos con la escena en la que Schindler y su socio Stern redactan la lista, momento en el que la música toma un carácter mucho más esperanzador. Por último, al final de la película, el color sustituye al blanco y negro, y Williams introduce al coro interpretando el himno Yeroushalaim Chel Zahav (Jerusalén de Oro) para subrayar, con un toque folklórico, el desfile de los supervivientes frente a la tumba de Schlinder.


Harry Potter

Harry Potter y la Piedra Filosofal (2001)

Cuarta colaboración con Chris Columbus tras Quédate a mi lado y las dos películas de Solo en casa. El maestro crea una música que dota a la película de una atmósfera peculiar, con reminiscencias de Tchaikovsky. El colorido orquestal da a la película el toque mágico que esta requiere. El tema más famoso de toda la saga es ‘Hedwig’s Theme’, que incluye un magnífico solo de celesta. Continúa escribiendo magistrales pasajes para el metal en ‘Hogwarts Forever’ o ‘Quidditch Match’. Por otro lado, ‘Diagon Alley’ incluye intervenciones destacadas de flautas, violín y percusión. Una de las piezas más singulares es ‘Fluffy’s Harp’, una especie de nana que el compositor concibe como un dúo de flauta y contrafagot. ‘The Face of Voldemort’ es la pieza más siniestra y tenebrosa de la película, pues subraya la escena en la que el profesor Quirrell desata su turbante para dejar al descubierto la cara de Voldemort.


Harry Potter y la Cámara Secreta (2002)

La grabación de esta banda sonora supone una de las excepciones en las que Williams no dirige su propia música. Dejó encargado de la dirección de la orquesta a William Ross, al que entregó una serie de precisas anotaciones que consiguieron que la música parezca dirigida por el propio Williams30. La película se inicia con la pieza homónima ‘The Chamber of Secrets’, pieza en 12/8 que se desarrolla a partir del ‘Hedwig’s Theme’ pero con un aire más misterioso. Otras piezas interesantes son el scherzo ‘The Flying Car’, ‘Fawkes the Phoenix’, con un carácter muy dulce y emotivo, la pieza de aire cómico ‘Gilderoy Lockhart’ o ‘The Spiders’, composición agitada con abundantes semicorcheas y cromatismos. 


Harry Potter y el Prisionero de Azkaban (2004)

Es la última película de la saga donde participa Williams. Su apretada agenda en 2005 (Memorias de una Geisha, La guerra de los mundos, Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith, Munich…) le impidió participar en Harry Potter y el cáliz de fuego, siendo sustituido por Patrick Doyle. En cuanto a El prisionero de Azkaban, Williams realiza uno de sus mejores trabajos para el género fantástico, recuperando en algunos momentos el lenguaje jazzero como en la escena del autobús noctámbulo. Una de las piezas más destacadas es ‘Double Trouble’, escrita para orquesta y coro de niños, con una sonoridad casi barroca. Igualmente interesantes son ‘Witches, Wands and Wizards’, con abundantes cambios de compás, el divertido vals ‘Aunt Marge’s Waltz’, ‘Buckbeak’s Flight’, con una enérgica introducción de la percusión, o ‘A Bridge to the Past’, con bellos solos de oboe.


Memorias de una Geisha (2005)

En el caso de Memorias de una Geisha, fue el propio Williams quien solicitó componer la música para la adaptación cinematográfica de la novela homónima. El compositor disfrutó de la novela y pidió ser el encargado de ponerle música. El resultado fue una gran partitura donde Williams utiliza instrumentos tradicionales japoneses, e introdujo solos de violín y violonchelo grabados por Itzhak Perlman y YoYo Ma, respectivamente. El tema principal de la película es interpretado por el violonchelo del solista japonés. En general, la cuerda tiene una gran presencia a lo largo de la película, mientras que el metal pasa más desapercibido, al contrario que en la mayoría de las creaciones de Williams. Utiliza distintos tipos de flautas para añadir el carácter folklórico, así como una gran diversidad de instrumentos de percusión como crótalos, gongs, cuencos tibetanos, cortinas…  

Esta banda sonora supone una aproximación a la música tradicional japonesa y al lenguaje modal. Es una partitura más intimista y emocional, lejos de otras creaciones de carácter épico y aventurero. Por esta partitura ganó el Globo de Oro y adaptó los temas principales de la película a una suite para violonchelo y orquesta en tres movimientos.


Selección de música de John Williams

1. Tiburón. Main theme.

2. Encuentros en la 3ª fase. Main theme.

3. Indiana Jones. En busca del arca perdida. Raider’s March.

4. Indiana Jones. En busca del arca perdida. Marion’s Theme.

5. Indiana Jones y el templo maldito. Parade of the Slave Children.

6. Indiana Jones y la última cruzada. Scherzo for Motorcycle and Orchestra.

7. E.T. Main Theme.

8. Parque Jurásico. Main Theme.

9. Parque Jurásico. Journey to the Island.

10. Parque Jurásico. T-Rex Rescue and Finale.

11. El mundo perdido. Main Theme.

12. El mundo perdido. The Hunt.

13. El mundo perdido. The Stegosaurus.

14. La lista de Schindler. Main Theme.

15. Harry Potter y la piedra filosofal. Hedwig's Theme.

16. Harry Potter y la piedra filosofal. The Quidditch Match.

17. Harry Potter y la piedra filosofal. The Face of Voldemort.

18. Harry Potter y la cámara secreta. The Chamber Of Secrets.

19. Harry Potter y la cámara secreta. Fawkes the Phoenix.

20. Harry Potter y la cámara secreta. The Spiders.

21. Harry Potter y el prisionero de Azkaban. The Knight Bus.

22. Harry Potter y el prisionero de Azkaban. Buckbeak's Flight.

23. Harry Potter y el prisionero de Azkaban. Double Trouble.

24. Memorias de una Geisha. Sayuri's Theme.

25. Memorias de una Geisha. Becoming a Geisha.

26. Memorias de una Geisha. Journey to the Hanamichi.

27. Star Wars. Main Theme.

28. Star Wars. Una nueva esperanza. Princess Leia's Theme.

29. Star Wars. Una nueva esperanza. The Force Theme.

30. Star Wars. Una nueva esperanza. Throne Room.  

31. Star Wars. Una nueva esperanza. Cantina Band.

32. Star Wars. El Imperio contraataca. The Imperial March (Darth Vader's Theme).

33. Star Wars. El Imperio contraataca. Yoda's Theme.

34. Star Wars. El Imperio contraataca. Han Solo and the Princess (Love Theme).

35. Star Wars. El Imperio contraataca. Battle in the Snow.

36. Star Wars. El retorno del Jedi. Jabba's Theme.

37. Star Wars. El retorno del Jedi. Emperor's Theme.

38. Star Wars. El retorno del Jedi. Ewok's Theme (Parade of the Ewoks).

39. Star Wars. La amenaza fantasma. Duel Of The Fates.

40. Star Wars. La amenaza fantasma. Anakin's Theme.

41. Star Wars. La amenaza fantasma. Qui Gon Jinn's Funeral Theme.

42. Star Wars. La amenaza fantasma. The Arrival At Tatooine And The Flag Parade.

43. Star Wars. El ataque de los clones. Anakin And Padme Theme (Across The Stars).

44. Star Wars. El ataque de los clones. The Arena.

45. Star Wars. La venganza de los Sith. Battle of the Heroes.

46. Star Wars. La venganza de los Sith. Anakin's Betrayal.

47. Star Wars. El despertar de la Fuerza. Main Title and The Attack on the Jakku Village.

48. Star Wars. El despertar de la Fuerza. Rey's Theme.

49. Star Wars. El despertar de la Fuerza. I Can Fly Anything.

50. Star Wars. El despertar de la Fuerza. March of the Resistance.

51. Star Wars. El despertar de la Fuerza. Kylo Ren Arrives at the Battle.

52. Star Wars. El despertar de la Fuerza. The Starkiller.

53. Star Wars. El despertar de la Fuerza. Scherzo for X-Wings.

54. Star Wars. El despertar de la Fuerza. The Ways of the Force.

55. Star Wars. El despertar de la Fuerza. Farewell and The Trip.

56. Star Wars. El despertar de la Fuerza. The Jedi Steps and Finale.

Bibliografía

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Blog dedicado a la música de cine: www.filmmusicnotes.com 


http://www.filmmusicnotes.com/john-williams-themes-part-1-the-force-theme/ [consultado 15/05/2017] 

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http://www.filmmusicnotes.com/john-williams-themes-part-3-of-6-the-imperial-marchdarth-vaders-theme/ [consultado 15/05/2017] 

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 La versión original de este artículo, o parte del mismo, fue traducida de Wookieepedia, ver autores.

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